El hombre ante el infinito - Rufino Tamayo - Historia Arte (HA!)

El hombre ante el infinito - Rufino Tamayo - Historia Arte (HA!)

Retrato de un pájaro: cuatro poemas de Jacques Prévert – Hablar de poesía

Retrato de un pájaro:

POUR FAIRE LE PORTRAIT D’UN OISEAU

, Jacques _Prévert

                                                                            
         

                                                     A Elsa Henriquez

       Peindre d’abord une cage
       avec une porte ouverte
       peindre ensuite
       quelque chose de joli
       quelque chose de simple
       quelque chose de beau
       quelque chose d’utile
       pour l’oiseau
       placer ensuite la toile contre un arbre
       dans un jardin
       dans un bois
       ou dans une forêt
       se cacher derrière l’arbre
       sans rien dire
       sans bouger . . .
       Parfois l’oiseau arrive vite
       mais il peut aussi bien mettre de longues années
       avant de se décider
       Ne pas se décourager
       attendre
       attendre s’il le faut pendant des années
       la vitesse ou la lenteur de l’arrivée de l’oiseau
       n’ayant aucun rapport
       avec la réussite du tableau
       Quand l’oiseau arrive
       s’il arrive
       observer le plus profond silence
       attendre que l’oiseau entre dans le cage
       et quand il est entré
       fermer doucement la porte avec le pinceau
       puis
       effacer un à un tous les barreaux
       en ayant soin de ne toucher aucune des plumes de l’oiseau
       Faire ensuite le portrait de l’arbre
       en choisissant la plus belle de ses branches
       pour l’oiseau
       peindre aussi le vert feuillage et la fraîcheur du vent
       la poussière du soleil
       et le bruit des bêtes de l’herbe dans la chaleur de l’été
       et puis attendre que l’oiseau se décide à chanter
       Si l’oiseau ne chante pas
       c’est mauvais signe
       Signe que le tableau est mauvais
       mais s’il chante c’est bon signe

       signe que vous pouvez signer 

o poemas de Jacques Prévert – Hablar de poesía

El cubismo renovado de georgy kurasov Por Ampintura

 

Revista Arte

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El cubismo renovado de georgy kurasov

Por Ampintura

Posted by Red Espress in Pintura y GraffitiEtiquetascolores, cubisno, cubos, Georgy Kurasov, RusiaGeorgy Kurasov nació en San Petersburgo, Rusia en 1958 y casi que en ningún momento de su vida se ha alejado del arte, aunque fue solo hasta la disolución de la Unión Soviética que su trabajo de pintura obtuvo reconocimiento…Ver las pinturas de Georgy Kurasov es definitivamente una invitación a crear, en su dibujo crea juegos con las líneas acercándose a alguna forma de cubismo, su color es vivaz, impáctate e imponente, así como sus propuestas fisionómicas.A la edad de doce años ingresó en la prestigiosa Escuela de Arte de San Petersburgo para niños superdotados, una filial de la Academia Rusa de Bellas Artes. Anecdótico resulta que cuando su madre, con 13 años lo lleva a la Academia de las Artes, le comunicaran que tenía una falta total del sentido del color por lo que le sugería unirse al departamento de escultura en vez de al de pintura.El artista recuerda haberse iniciado en el arte haciendo algo de modelado en plastilina, luego recibió clases de pintura y escultura, también sobre anatomía humana y casi que desde ese momento inició su recorrido por el mundo de la creación artística, recorrido que no se interrumpió ni siquiera cuando fue alistado en el ejercito ya que contó con la suerte de ser nombrado pintor de la corte del general a cargo.Su trabajo no salió de las fronteras rusas hasta la caída de la Unión Soviética. Su obra pudo verse en distintos países. Fue también expuesta en diversos espacios en Estados Unidos, donde ha vendido buena parte de su obra.El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.  El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles.

acuarelas de flores -II- Por José Garrido Herráez

 

Selección acuarelas de flores -II-

Por José Garrido Herráez

José Garrido. Marzo 2013. Acuarela 46 x 32.

   Son las flores un tema pictórico que me atrae especialmente. La acuarela, con su transparencia y luminosidad, permite sutilezas que la hacen un medio particularmente adecuado para pintarlas. En mis diarios rastreos en internet, especialmente en Facebook, encuentro pintores y obras difícilmente accesibles en mis lugares habituales, sobre todo de artistas orientales que, por su idioma, no suelen aparecer en otro tipo de búsquedas.   Es esta entrada continuación de otra anterior dedicada al mismo tema, y las visitas que ha recibido, casi 1600 en cuatro meses, me anima a publicar esta segunda selección. Son otros los pintores, aunque de los mismos se podrían mostrar muchas otras hermosas obras con este tema floral. Ya se proporcionaron allí enlaces a sus páginas para poder admirarlas.

Violeta africana. Tintas. José Garrido

   Para iniciar esta selección se muestran dos pinturas mías. A partir de aquí, iremos a mejor. La primera con acuarelas, la segunda con tintas, que ofrecen una transparencia muy similar y una técnica parecida. De las siguientes, se indica el autor al pie de cada una de ellas. Proceden de Facebook, donde pueden rastrearse más obras de quienes las han pintado. Todas son actuales con excepción de las dos siguientes, de Franz A. Bischoff (1864-1929), pintor austríaco afincado en Estados Unidos, y la tercera de Anders Leonard Zorn (1860-1920), pintor sueco al que se le ha dedicado anteriormente una entrada en mi blog. Son coetáneos, aunque su pintura es muy diferente. Sirvan para ilustrar cómo la evolución de la acuarela, como la de cualquier otra cosa, no ha sido lineal, sino que en un momento cualquiera conviven técnicas, enfoques y maneras de pintar que pueden desorientar a espectadores desprevenidos. 

   Viendo las dos anteriores, las podemos considerar más como producto de su época que la siguiente de Zorn. En mi humilde opinión, —"a mi escaso juicio", que diría mi amigo Paco Arteaga—, las de Bischoff son dos acuarelas admirables, y no sólo pensando que hace más de 100 años que se pintaron. Aparte de su técnica irreprochable, de su uso magistral del color  y de un dibujo perfecto, cosa más frecuente entonces que ahora y que son valores —para mi— intemporales, exigibles a toda obra de mérito, ya ofrecen un limitado nivel de terminación y cierta sugerencia en algunas zonas que harían levantar las orejas con inquietud a algunos contemporáneos suyos. Si pensáramos que se han pintado hoy, para algunos resultarían excesivamente ajustadas a la realidad, pulcras, incluso "relamidas", aunque conviene al crítico ser cauto en sus valoraciones, siempre respetuoso y medidor de los conceptos que emplea, como el término "superado".    La obra de Zorn, de la misma época, es muy diferente. Resulta totalmente actual. Aunque no hace nada que no se hubiera hecho anteriormente, en cuanto a técnica, puede ser una muestra de la diversidad de tendencias que conviven en cualquier época.

Anders Leonard Zorn

  Ponernos a hablar de lo que pintan los demás nos coloca en una delicada tesitura, pues el que juzga aparece en posición de superioridad respecto al juzgado. Hay quienes opinan, incluso con crueldad, sólo para encaramarse a esa inmerecida altura.

(...) "Los que se meten a dar preceptos deben de estimarse más hábiles que aquellos a quienes los dan, y son muy censurables, si faltan en la cosa más mínima" (...) Descartes.

   No es así en mi caso, ni se pretende, y es legítimo opinar, comentar y criticar, incluso con desaprobación, pero con respeto. Se puede llegar a tener una opinión cualificada incluso en un arte que el opinante no practica. Pero hay que ser comedido y escrupuloso. Especialmente cuando el que opina es otro pintor.    Tan modestos suelen ser los grandes como soberbios los mediocres. Suele ir unida la mediocridad a la ignorancia, cuando no es la segunda el origen de la primera. Conocer nos hace modestos, humildes, sabedores de la enorme dificultad de hacer algo nuevo, especialmente si nos movemos en el terreno de la figuración, más o menos temperada. La abstracción abre otras puertas, posibilidades de sorprender y de innovar, aunque en no pocas ocasiones nos adentren en habitaciones vacías. La sorpresa, si es agradable, es un valor añadido, pero no puede ser el único de una obra. Tampoco el precio es buena vara de medir.  Claro está que el plasmar en una obra un minucioso y fiel reflejo de la realidad, que incluso la mejora, —el canon llevado a la perfección—, es vía agotada. Pensar que lo que iniciamos ahora ya se ha hecho antes mejor, es una idea paralizante, luego hay que hacer —en lo posible— algo nuevo. Algunosaficionados —y otros que ya no lo son tanto— no llegaremos nunca a pintar como ya se hacía hace siglos, pero unos pocos elegidos han dado pasos significativos hacia la simplificación, la síntesis, la sugerencia, el gesto suelto y expresivo, que sí los separan de los genios del pasado. 
   Estos grandes pintores actuales a quienes me refiero, han logrado una pintura personal, capaz de emocionar, incluso de asombrar, a diferencia de otros que incurren en el error de considerar a los demás tan ignorantes como lo son ellos y de querer sorprendernos con algo que ya se hacía hace siglos. Aunque ellos no lo sepan. O sí.